By Ali Moosavi.
After the Iranian Revolution in 1979, a number of national filmmakers, who were well-established in their homeland, such as Dariush Mehrjui (The Cow; The Cycle), Amir Naderi (The Runner; Water, Wind, Dust), Mohsen Makhmalbaf (Gabbeh; A Moment of Innocence), moved abroad. In the late director Sohrab Shahid Saless (Still Life; A Simple Event)’s case, this happened before the revolution. The reasons for these moves were either one, or a combination of personal, professional and political. Arguably, in every single case, the quality and success of their work abroad did not and has not matched of their films made in Iran. Not having roots in the new countries and unfamiliarity with their culture and traditions, made it difficult for them to turn out films that resonated with the audience. Mehrjui returned home and found even greater success, critically and commercially, than before. Naderi and Makhmalbaf continue to make films abroad.
In recent years, a new generation of filmmakers with Iranian parentage, have begun making films abroad. These filmmakers have either been born in another country or moved there from a very early age. They have therefore totally assimilated that country’s culture and received their film making training there. Many have gone to make successful films and make a name for themselves. Some are making commercial films in Hollywood. They include Nima Nourizadeh (American Ultra, 2015), Babak Najafi (London Has Fallen, 2016; Proud Mary, 2018) and Kasra Farahani (The Good Neighbor, 2016). While others have made critically acclaimed films in various countries, such as Ramin Bahrani in the USA (Goodbye Solo, 2008; 99 Homes, 2014), Alireza Khatami in Chile (Oblivion Verses, 2017), Ali Abbasi (Border, 2018) and Milad Alami (The Charmer, 2017) in Denmark and Babak Anvari in the UK (Under the Shadow, 2016). Another member of this group is the female Iranian filmmaker, Bani Khoshnoudi. She resides and works in Mexico. Fireflies is her second feature film.
Fireflies opens with a shot of a group of hirelings picking pineapples in Mexico. One of them is Ramin (Arash Marandi), a migrant worker in a country better known for exporting migrant workers. He has made it to the industrial port of Vera Cruz in Mexico by sea route. Writer-Director Khoshnoudi gradually fills us with more information about Ramin. When, back in his room in a cheap hotel, he takes his shirt off, we see a tattoo relating to the old Persian Empire, where most Persians were Zoroastrians and their slogan was Good Thoughts, Good Words, Good Deeds. As far away from the current ruling Islamic Republic as can be. Then Ramin plays a pre-revolutionary Persian love song on his mobile. The introduction is complete when we see Ramin looking longingly at a photo of another young man. Later, he chats to him online and we find out that the two are lovers, separated for reasons that later become apparent.
Ramin is a stranger in a strange land. He neither speaks the language, nor is familiar with Mexican culture. He keeps his sexual orientation to himself, being unsure of the local attitudes towards homosexuality. He strikes up a couple of relationships. One is with the hotel receptionist, Leti (Flor Eduarda Gurrola). He asks her to teach him some basic Spanish. Leti has problems of her own; her ex-boyfriend is visiting from the US and wants to see her. For Leti though, he is past history and trouble and she is none too happy about his visit. We have two characters with contradictory feelings towards their past loves. One is longing for a visit while the other is dreading it. Ramin’s other new-found friend is Guillermo (Luis Alberti), another laborer who is looking to get out of Mexico and reach Los Angeles. The two of them do some bonding by spending some time on the beaches in daytime and in the bars at night. In one of their beach outings, Guillermo see the scars on Ramin’s back and enquires about them. Ramin though, still not being sure of the local attitudes, does not divulge the story behind the scars. We know though that he received these because of his homosexuality, which is considered an immoral act in Iran and punishable by lashes. Khoshnoudi has included this scene so that the audience can empathize with Ramin as to why he endures the hardship in a foreign land and being away from his love and homeland.
Like any other person in a new environment, Ramin tries to find friendly people and places. He ventures in the city to find gay haunts. Are they freer to flaunt their sexuality in public? Can he find love and tranquility in this part of the world? Is grass greener on the other side? Khoshnoudi, being a diaspora filmmaker herself, has a good eye and ear for what goes through the minds of characters like Ramin. This gives the film an air of authenticity, which is further helped by Arash Marandi’s sensitive and subtle performance. The tone and look of the film, depicting a small industrial port where people work in the day time and go home or to the bars at night, with its deserted streets at night and the rather grey color-washed appearance, is perfectly in tune with the film and highlights Ramin’s isolation. Khoshnoudi has engaged the services of a number of key crew of Sebastian Leilo’s marvelous A Fantastic Woman (2017), which looked at the life of a transgender woman in Chile. These include that film’s cinematographer, Benjamin Echazarreta, and production designer, Estefania Larrain. Fireflies is another admirable achievement by an Iranian diaspora filmmaker.
Ali Moosavi has worked in documentary television and has written for Film Magazine (Iran), Cine-Eye (London), and Film International (Sweden). He contributed to the second volume of the The Directory of World Cinema: Iran (Intellect, 2015).
El Premio CINÉ+ se lo llevó ‘Luciérnagas’ de Bani Koshnoudi.
http://www.cineytele.com/2018/03/26/durante-cinelatino-2018-se-concedieron-tres-premios-en-el-programa-cine-en-construccion-33-y-dos-cine-en-desarrollo-13/
Los silencios de Beatriz Seigner, Luciérnagas de Bani Koshnoudi, La cazadora de Suzanne Andrews Correa y Los reyes del mundo de Laura Mora fueron los proyectos ganadores en las iniciativas Cine en Construcción y Cine en Desarrollo que se dieron a conocer durante el festival Cinélatino, Rencontres de Toulouse, que terminó ayer.
Cine en Construcción es una iniciativa conjunta de Cinélatino, Rencontres de Toulouse y del Festival Internacional de Cine de San Sebastián que tiene por objeto facilitar la conclusión de largometrajes latinoamericanos rigurosamente seleccionados, que han podido ser rodados, pero que abordan con dificultades la fase de postproducción.
Se presenta una selección de 12 proyectos work-in-progress en dos sesiones : 6 películas en Toulouse en Marzo y 6 películas en septiembre en San Sebastián.
Acaba de terminar la 30ª edición de Cinélatino, Rencontres de Toulouse (16-25 marzo de 2018), en la que se han presentado 6 proyectos a un público constituido exclusivamente de profesionales del cine.
Los silencios de Beatriz Seigner (Brasil, Colombia, Francia) ha sido el proyecto más laureado con dos galardones. Por un lado, ha obtenido el Premio Cine en Construcción Toulouse, que consiste en servicios de postproducción por parte de las empresas colaboradoras, en una beca destinada a trabajos de postproducción y en servicios e iniciativas de promoción de la película premiada, todo ello gracias a la asociación con Mactari, Titrafilm, CCAS, Eaux Vives, Firefly y Commune Image.
También obtuvo el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos, gracias al cual Europa Distribution se compromete a promocionar la película premiada en su red de 120 distribuidores independientes y la Confédération Internationale Des Cinémas D’art Et D’essai (CICAE) difunde la información entre sus socios (2.000 gerentes de salas de cine) para favorecer la circulación de la película y sensibilizar a los distribuidores.
En Cine en Construcción 33 también se otorgado el Premio CINÉ+, que fue a parar a Luciérnagas de Bani Koshnoudi (México, Estados Unidos, Grecia, República Dominicana). A través de este galardón, el canal CINÉ + garantiza su compra por el canal por un valor de 15.000 € y su difusión televisiva. Este premio se entregará al distribuidor de la película en Francia bajo reserva de que la película sea objeto de exhibición comercial en salas de cine del territorio francés en los dos años que sigan la proyección de la película en el marco de Cine en Construcción.
Por otro lado, Cine en Desarollo es un espacio ideado como punto de conexión entre profesionales de Latinoamérica y Europa. Puede acoger a unos veinte productores y directores que tengan entre manos un proyecto en fase de escritura, de desarrollo, de financiación o de post-producción, para los que se llevará a cabo un trabajo de matchmaking. Se trata de facilitar un encuentro entre posibles socios, productores, vendedores, distribuidores o cadenas y de obtener un comentario acerca del proyecto. Los directores o productores de los proyectos seleccionados se reúnen con los profesionales en encuentros individuales de 30 minutos de duración.
Durante Cinélatino, Rencontres de Toulouse 2018 hemos podido saber los dos premios concedidos. El PRIX BrLab se entregó a Los reyes del mundo de Laura Mora (Colombia). Así, el proyecto está invitado a participar en un taller organizado en Noviembre en São Paulo.
La cazadora de Suzanne Andrews Correa (México, Argentina, Estados Unidos) ha sido el proyecto destinatario del Premio French Kiss Studio, que ofrece 3.500 € de prestación de servicios de posproducción en su estudio, para la posproducción imagen y/o sonido.
http://variety.com/2018/film/festivals/los-silencios-luciernagas-top-toulouses-films-progress-1202736104/
MADRID — Two films from women directors – Brazilian writer-director Beatriz Seigner’s “Los Silencios” and Bani Khoshnoudi’s “Luciernagas” – beat out strong competition Friday night at Toulouse’s 33rd Films in Progress to take between them its three top awards.
One of two annual Films in Progress, with San Sebastian’s September event, the Toulouse Cinelatino Fest’s pix-in-post competition often serves as a launchpad for selection at Cannes or other subsequent big fests – the Films in Progress’ 2017 winner, “The Desert Bride,” went on to score a berth at Cannes’ Un Certain Regard.
Held in France’s Toulouse, nestling in the northern lap of the Pyrenees, Films in Progress also highlights key concerns of Latin American arthouse cinema. It is noteworthy, for example, that five of the six films this year turn on some form of dislocation, whether caused by civil conflict, homophobia, poverty, violence or disease.
Seigner’s second feature after 2009’s “Bollywood Dream,” “Los Silencios,” a drama with touches of magical realism, centers on the psychological toil of violence on the young. It begins with two children and their mother, fleeing armed conflict in Colombia, arriving at an island between Colombia, Peru and Brazil. When the mother tells them they have to keep secret the fact their father is hiding there, the young daughter falls into silence.
Reflecting her own multi-cultural roots, Iran-born, Texas-raised and now Paris-based Bani’s Khoshnoudi’s “Luciernagas” tracks a young gay Iranian, Ramin, who stows away on a boat from Turkey to Mexico and in Veracruz rejoices in his new-found freedom. Yet he pines for his homeland and boyfriend still there.
“Los Silencios” won the showcase’s Toulouse Films in Progress Prize, adjudicated by French service companies and including a post-production grant from France’s CNC film-TV agency. It also took the European Distributors and Exhibitors’ Prize, taking in promotion by the Europa Distribution network and Cicae, the European arthouse confederation.
“Luciérnegas” swept the Cine Plus in Progress Special Prize, given by the movie channel division of giant French paybox Canal Plus.
The two films beat out “Perro Bomba,” the biggest winner at the Guadalajara Festival’s works-in-progress this month, a fiction chronicle of the double ostracism in Chile of a hard-working Haitian immigrant, disowned by his own Haitian community and pilloried by the Chilean media after he punches his racist construction-site manager.
The Toulouse Works in Progress also featured Fernando Frías’ anticipated “I’m No Longer Here,” about a 17-year-old Cholombiano, a Mexican urban tribe member, forced to emigrate from Monterrey to Queens, where his counter-culture is seen as a commodity. André Novais Oliveira’s “Temporada” charts the inner journey of a woman from a small town to the larger metropolis, where she helps to contend endemic disease. The journey which changes her life.
http://www.latamcinema.com/los-silencios-y-luciernagas-se-reparten-el-palmares-de-cine-en-construccion-33/
El pasado 23 de marzo se entregaron en Toulouse los premios de la trigésimo tercera edición de Cine en Construcción, iniciativa conjunta bianual de Cinélatino, Rencontres de Toulouse y del Festival Internacional de Cine de San Sebastián para películas en fase de postproducción; y de la décimo tercera versión de Cinéma en Développement.
“Los silencios”, segundo filme de Beatriz Seigner, se alzó con el Premio Cine en Construcción Toulouse, consistente en servicios de postproducción y promoción; y el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos, que consiste en la promoción de la película en la red de 120 distribuidores independientes de Francia, entre otros estímulos.
Se trata de una producción de las brasileñas Enquadramento Produções y Miríade Filmes en coproducción con la colombiana DiaFragma Fábrica de Películas y la francesa Cine-Sud Promotion que relata la historia de Nuria y Fabio, quienes huyendo de los conflictos armados en Colombia llegan con su madre a una isla desconocida en la frontera entre Brasil, Colombia y Perú.
Por su parte, “Luciérnagas” de la iraní afincada en México Bani Koshnoudi recibió el Premio Especial Ciné +, que implica la compra de los derechos de exhibición para su exhibición en el canal, por un valor de 15 mil euros. Con producción de Zensky Cine (México), Haos Film (Grecia), Aurora Dominicana (República Dominicana) y Pensée Sauvage Films (Estados Unidos), la película sigue a Ramin, un joven gay iraní que huye de la represión y se afinca en Veracruz, donde extraña a su novio que se ha quedado en Teherán.
En Cinéma en Développement 13, plataforma de coproducción para proyectos en fase de escritura, desarrollo, financiación o post-producción, se entregaron dos estímulos: el Premio BrLab, consistente en una invitación en la próxima edición del taller de desarrollo de proyectos, que se organiza en São Paulo ; y el Premio French Kiss Studio, dotado con 3500 euros de prestación de servicios de posproducción de imagen y/o sonido.
El premio BrLab fue para “Los reyes del mundo”, próximo filme de Laura Mora y producido por La Selva Cine (Colombia); mientras “La cazadora” de Suzanne Andrews Correa con producción de La Boyita (México, Argentina, Estados Unidos) se llevó el galardón French Kiss.
El festival también anunció el sábado 24 de marzo el palmarés de la programación. “Zama” de Lucrecia Martel se alzó con el premio a mejor largometraje de ficción, mientras que el reconocimiento del público fue ex aequo para “Candelaria” de Jhonny Hendrix Hinestroza y “Sergio & Sérguei” de Ernesto Daranas Serrano. Por su parte, el Premio FIPRESCI fue para “Temporada de caza” de Natalia Garagiola y el Premio de la Crítica de Francia fue para “Azougue Nazaré” de Tiago Melo. Mientras, en la categoría documental los filmes ganadores fueron “A morir a los desiertos” de Marta Ferrer y “Robar a Rodin” de Cristóbal Valenzuela.
“Quería demostrarme que había algo de verdad en aquello de: ‘Toma un teléfono, haz tu película y deja de quejarte”, dice el director mexicano Marcelo Tobar acerca de su nuevo largometraje, “Oso polar”. Actualmente en posproducción, la película fue rodada con teléfonos celulares y financiada por medio del crowdfunding, buscando corroborar la auténtica democratización del cine.
Con guion del propio Tobar -quien previamente realizó “Dos mil metros (sobre el nivel del mar)” y “Asteroide”-, “Oso polar” sigue el viaje que emprenden tres ex-compañeros de la escuela primaria, que se dirigen juntos a una fiesta de generación al otro lado de la ciudad. La larga travesía sumada al alcohol, al tráfico y a las viejas anécdotas van provocando que se repitan las mismas dinámicas de la niñez, donde Flor y Trujillo ejercían como bullies. Pero veinte años después, el pasivo Heriberto -suerte de oso polar salido de su hibernación personal- no responderá de la misma manera.
“El trayecto de los tres personajes cruzando la Ciudad de México busca ser una alegoría de nuestras urbes como infiernos modernos, en los cuales cada vez es más normal que las cosas se salgan de control. La opción dramática de encerrar en un coche a un hombre con aquellos que lo atormentaron de niño es una oportunidad magnífica para ahondar en lo poco evolucionados que podemos ser”, puntualiza Tobar sobre la historia, al ser entrevistado por LatAm cinema.
En lo que refiere a su cuestión técnica, y la denodada decisión de rodar con teléfonos celulares, el director considera que hay que “abrazar las virtudes de la herramienta que utilizas en vez de tratar de disfrazarlas”. Rodar con iPhone le permitió fusionar ficción con realidad y tomar una decisión estética / narrativa.
“Esos videos amateurs en que la gente graba la vida con sus camaritas de teléfono, muchas veces tienen más cine que las películas que vemos en las grandes pantallas. Por lo mismo, quise incorporar toda una línea narrativa utilizando los videos casuales que se alojan en el celular del protagonista; estos cuentan no sólo quién es él, sino cómo ve la vida y, por ende, cuál es el tema de la obra. Hicimos convivir tomas planeadas con steady-cam y un lente anamórfico especial para Iphone, con imágenes grabadas ya sea por los actores o por mi sobrina de 5 años que juega un papel en la película. Algunas de esas imágenes son de lo más hermoso de la obra”, subraya, destacando que varias de las herramientas utilizadas fueron tomadas de la película que fue referencia para el rodaje, “Tangerine”, el film que Sean Baker rodó con iPhones y que fue un suceso en Sundance el año pasado.
Actualmente, el film producido por Elsa Reyes se encuentra postulando a wips de festivales para su finalización, pero también buscando aliados capaces de apostar por esta nueva forma de hacer cine. “Creo que hacer películas de esta manera será muy común y tal vez algunos post-productores vean el valor en empezar a profesionalizar estos procesos junto con nosotros anticipando lo que viene”, asegura Tobar, quien también entiende que su distribución tendrá que ser igualmente creativa, buscando un sistema que permita la convivencia entre el estreno en salas y en línea.
LatAm cinema presenta en exclusiva las primeras imágenes de “Oso polar”.
Entonces, ¿en qué quedamos? ¿Ezban es ya un autor fílmico o no? Yo diría que dejemos esa discusión para cuando aparezca su siguiente película. Porque si Ezban no lo es, está en el camino de serlo. Y uno que puede ser importante.
Zensky Cine founder Elsa Reyes touts a long list of lauded producing credits in both shorts and features, but the key to her company , in her view, is keeping projects “small, intimate and independent.”
Case in point is the latest project she has produced, Marcelo Tobar’s, “Oso Polar,” which he shot with iphones. “It’s a film where it’s the story that counts; how it was made wasn’t important, we didn’t need state-of-the-art camera technology,” says Reyes. Using crowd-funding coin of 200,000 pesos ($12,000), they shot around Mexico City with just two iphones and three actors. She’s now taking it to works-in-progress encounters to raise post-production funding. Tobar’s sibling drama “Asteroide” won Cabos’ Work in Progress Moviecity award last year.
http://variety.com/2015/film/festivals/mexico-up-next-elsa-reyes-keeping-nimble-1201641292/
Morelia Film Festival
Jose Carlos Ruiz, Hoze Melendez
Jack Zagha Kababie
http://www.hollywoodreporter.com/review/warehoused-almacenados-morelia-review-840406
The first day at any new job can be a little disorienting but the Mexican slacker protagonist of Warehoused (Almacenados) finds he needs to make some major mental adjustments in order to make sense of his new position as a depot assistant. A slickly packaged and entertaining two-hander that’s both smartly observational about the value and minutiae of employment and often hilariously absurd — essentially this is Waiting for Godot with (or rather without) merchandise — Warehoused was directed by Jack Zagha Kababie (One for the Road) and precisely plotted and superbly written by David Desola Mediavilla. It should travel extensively to festivals and could be a coup for passionate boutique distributors who know how to market atypical, arthouse-light projects. A stage adaptation would also be possible, even if the film’s supple cinematography keeps things from becoming too stage-bound throughout.
The film is divided into five chapters, from Monday to Friday, as the story follows the first workweek of Nin (Hoze Melendez), a young man who’s not quite a bum but not exactly the most motivated worker either. Nin is destined to be a warehouse assistant for only one week before replacing the current warehouse head, Mr. Lino (veteran actor José Carlos Ruiz), who needs to show him the ropes before he retires in a week.
Much to the surprise of Nin, the warehouse where they work, on the outskirts of the city, is completely empty when he arrives on Monday morning for his first day at work. The company for which they work produces aluminum masts and flagpoles but none are to be seen (Mr. Lino explains they only store masts, flagpoles go to another warehouse). All the depot contains is one desk, one chair and a punch clock on the wall that’s the topic of conversation for the film’s first, chuckle-inducing ten minutes. The trucks with merchandise "will arrive when they come," explains Nin’s superior, and "we need to be ready at all times for that occurrence." He then sits down, leaving Nin standing right next to the desk for the rest of the day. Nin’s solution to that problem provides the film’s first major guffaw while it’s simultaneously revealing about the different attitudes toward work and life of the older and younger man.
With this simple set-up and on this even simpler stage, the director and his screenwriter spin a frequently funny but also surprisingly perceptive tale about work, duty and the importance of constant readiness, since that’s all that can be reasonably expected in the absence of anything else that needs doing (they do sweep the floor of the empty building 15 minutes before going home each day). The enormous generation gap between someone at his first adult job and someone about to retire is of course fertile ground for discussions about how attitudes about employment have changed, while clever use of repetition over the course of the week creates expectations that can be thwarted by obscure rules and exceptions. Carefully planted bits of information that might seem irrelevant will later turn out to be the vital for astonishing new developments, even as the titular locale remains empty for most of the proceedings.
Spanish-born screenwriter Mediavilla also wrote Kababie’s previous film, the old-geezer road-trip comedy One for the Road, but here they reach a heightened level of synergy that breathes new life into the rather straightforward concept of a single location and a seemingly straightforward premise. Their attention to detail, both in the writing and the characterizations, is impressive throughout, and the rules-obsessed Ruiz and the laidback but far from stupid Melendez form a remarkable couple of opposites in just about every way. (A single sour note is Nin’s second phone conversation, which stretches emotional and storytelling credibility.)
Combined with the supple work of cinematographer Claudio Rocha, who keeps finding new ways to explore a fixed space and the two characters in it, the film remains fresh visually as well without letting the camerawork draw unnecessary attention to itself.
Production companies: Avanti Pictures, Producciones Chonchas, Zensky Cine
Cast: José Carlos Ruiz, Hoze Melendez
Director: Jack Zagha Kababie
Screenplay: David Desola Mediavilla
Producers: Yossy Zagha, Elsa Reyes
Director of photography: Claudio Rocha
Production designer: Jay Aroesty
Editor: Juan Manuel Figueroa
No rating, 93 minutes
septiembre 17th, 2015 by admin
Desde 2014, el Festival Internacional de Cine de Los Cabos generó sinergia con Strategic Partners, lo cual permitió que el equipo canadiense seleccionara a talentosos productores mexicanos, galardonados en la más reciente edición del festival mexicano, para invitarlos a ser parte de su encuentro con sus largometrajes en etapa de desarrollo. La productora seleccionada este año será Elsa Reyes, fundadora de Zensky Cine, con su proyecto Man by Man.
Patrocinada por el Bell Fund (que desde 1997 ha invertido en la producción de medios digitales y en los nuevos proyectos de medios asociados a producciones de televisión), la Incubadora de Dramas Televisivos brinda a los productores elegidos la oportunidad de tallerear sus scripts piloto en una mesa redonda con cadenas internacionales e inversores de televisión.
La directora de Strategic Partners, Laura Mackenzie, compartió: “La Incubadora de Dramas Televisivos es una extensión de los objetivos centrales de Strategic Partners, que estratégicamente pone los proyectos en manos de quienes son capaces de darles vida. Por ello se ha seleccionado cuidadosamente a un grupo de expertos para dar a cada proyecto la asesoría creativa y de mercado que necesita para ser exitoso”.
De la misma forma, Strategic Partners dará la bienvenida a los productores y financiadores ingleses y canadienses de Jonathan Strange and Mister Norrell para que presenten un estudio de caso en el mercado de este año. Con una adaptación de la exitosa novela de Susana Clarke que lleva el mismo nombre, el equipo detrás de la miniserie examinará en detalle las oportunidades y retos de financiar una coproducción exitosa. Junto con el panel, el equipo esclarecerá uno de los planes financieros de televisión más intricados que hayan existido hasta ahora.
El productor mexicano de la serie de Netflix Club de cuervos, Leonardo Zimbrón, estará moderando el segundo panel, donde se revisará a detalle el nuevo ciclo de vida del financiamiento y la distribución de contenidos. Los panelistas verán cómo las innovaciones en tecnología y distribución han hecho del viejo modelo de financiamiento algo irrelevante. Así, tomando en cuenta el potencial de la financiación en masa, la creación de contenido de marca y los foros de compradores en línea, el panel arrojará nueva luz sobre este complejo mundo de la financiación de largometrajes.
La 18ª edición de Strategic Partners se llevará a cabo del 17 al 20 de septiembre de 2015 en Halifax, Nueva Escocia, en Canadá.
CINE MORELOS
Nuria
Ibáñez directora de La Cuerda Floja
interactuó con el publico de Tepoztlán y el Cine Morelos
El lunes 22 de febrero La
directora del documental La Cuerda Floja Nuria Ibáñez estuvo presente en la
proyección de su filme, el cual dio inicio a las 19:30 horas en la explanada
municipal de Tepoztlán.
El circo Aztlán y todo lo que conlleva sacarlo
a flote en la zona de Texcoco y periferia fue el tema que causo diferentes
emociones entre el público, las cuales fueron externadas a la directora en una
sesión de preguntas, respuestas y comentarios que en general fueron
alentadores.
Al término de esta función con los tepoztecos,
Ibáñez se trasladó a la Sede Oficial de Ambulante-Cuernavaca, el Cine Morelos
para nuevamente iniciar el diálogo con la gente que tuvo la oportunidad de ver
su documental programado ahora en la Sala Morelos.
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EL SEPTIMO ARTE
Entre
dos realidades, “La cuerda Floja”, un
documental de Nuria Ibáñez
El aplauso es el alimento del artista, incluso
del artista del hambre. Estas dos frases, entresacadas de los cuentos de Enrique Serna y Franz Kafka, pueden ser una buena introducción al documental de Nuria
Ibáñez, La cuerda floja (2009). El documental no es sobre un
artista que tiene como arte ayunar, como en el cuento de Kafka, o de una pareja
de bailarines exhibicionista, como en el cuento de Serna, pero retoma el drama
del artista popular que quiere ser reconocido, aplaudido y que lucha por vivir
en tiempos adversos. Se trata de unos artistas de circo, el Circo Aztlán. Nuria
Ibáñez documenta la vida íntima de la familia dueña de este circo decadente que
deambula por los pueblos de Texcoco, al norte de la Ciudad de México.
En la entrevista con Ambulante, Nuria
efectivamente nos contó que quiso que la cámara fuera un voyeur.
Sin embargo, en ocasiones hay una interacción latente con los personajes. La
cámara parece de un momento a otro cobrar importancia y pone en entredicho la
participación pasiva del voyeur. Los personajes se saben
vistos y reflexionan sobre su quehacer; afirman con orgullo su oficio y la importancia
del mismo. Queda, en fin, la sospecha de si eso hubiera podido ocurrir sin la
presencia de la cámara.
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http://festivalambulante.blogspot.mx/2010/02/entre-dos-realidadesla-cuerda-floja-un.html
LA JORNADA
Miseria
y dignidad, dualidad del circo presente en La
cuerda floja
Este es
el primer documental que realiza Nuria Ibáñez, quien buscó que el reducido
equipo se mimetizara con el entorno, para que la cámara pasara inadvertida, que
las conversaciones fueran lo mas naturales posibles, pero a la vez provocar. Al
fin y al cabo, había escenas que no hubieran ocurrido si no hubiera estado ahí
la cámara.
La cinta refleja el gran orgullo que sienten
por el oficio. No es lo mismo ser secretaria, trabajar en una fabrica o ser
comerciante, que ser cirquero. Es una cosa que se lleva en la sangre y que debe
asumirse con dignidad, aunque implique un esfuerzo titánico y no alcance ni
para agujetas nuevas.
La cinta
obtuvo apoyo para producción del Fondo Jan Vrijman, vinculado con el festival
internacional de documentales de Amsterdam (IDFA). La postproducción se realizó
con la beca Gucci-Ambulante y apoyo del Foprocine.
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CINEMATICAMENTE
"Fuera del circo nadie te va a aplaudir porque cocines
rico o porque hagas muy bien tus quehaceres"
A veces pienso que los documentales tratan de buscar
situaciones tan grandilocuentes que por momentos pierden la noción de que
prácticamente cualquier cosa puede prestarse a ser documentada. Nuria Ibáñez,
por otro lado, buscó un tema sí algo particular, pero también bastante cercano.
Los circos. Y, sobre todo, el fenómeno de los circos tradicionales, que cada
vez van siendo desplazados por las grandes superproducciones teatrales (que,
también por otro lado, son muchas menos).
Primero debo confesar que yo no puedo ser
suficientemente objetiva porque me encantan los circos. También porque en este
caso se trata de un circo mexicano (que supongo que deben tener una tradición
similar a otras partes del mundo pero no puedo saber qué tanta). Y tal vez
porque cuando era niña mi sueño era ser trapecista, claro. Aunque este
documental me viene a mostrar cuán lejos estamos ahora de los trapecistas de mi
infancia.
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http://anfibiamente.blogspot.mx/2010/02/la-cuerda-floja-nuria-ibanez.html
